Streameld vagy ugorj át: „A tökéletes páros” a Netflixen, romantikus vígjáték bemutatója az egykori Nickelodeon-sztárról, Victoria Justice-ról és a „Szex/Élet” sztárjáról, Adamről
Streameld vagy ugorj át: A „Tisztelet” című szám az Amazon Prime Videóban, ahol Jennifer Hudson főcímzenéje a kiábrándító Aretha Franklin-életrajzot mutatja be.
Játsszd le vagy ugorj át: „Gamestop: A játékosok felemelkedése” a Hulun, egy fergeteges dokumentumfilm, amelyben a gyengébbek legyőzik a gonosz óriásokat.
Streameld vagy ugorj át: Az „Elon Musk gyorstalpaló” az FX/Hulu-n, a NY Times dokumentációt tartalmaz a Tesla önvezető technológiai problémáiról.
Streameld vagy hagyd ki: Az amis bűnök Peacockon, egy dokumentumsorozat az amis közösségen belüli krónikus szexuális bántalmazásról
Streameld vagy ugorj át: „Nézz rám: XXXTentacion” a Hulun, egy dokumentumfilm a néhai rapper életéről és szupernóva karrierjéről
A „Randy Rhoads: Gondolatok egy gitárikonról” című könyv Ozzy Osbourne eredeti Axeman albumának rövid életét és hatalmas hatását vizsgálja.
Streameld vagy ugorj át: „Teen Titans Go! & DC Super Hero Girls: Mayhem in the Multiverzum” VOD-on, egy hatalmas crossover film ~1 millió karakterrel.
Streameld vagy hagyd ki: Sonic the Hedgehog 2 a Paramount+-on, egy lebilincselőbb, zajosabb folytatás több szellemi tulajdonnal és kevesebb nevetéssel.
„Miénk a város” befejezésének magyarázata: Jon Bernthal, David Simon és mások válaszolnak a kérdéseidre
Joy Behar egy heves fegyverellenőrzési vitában a „nézetekről” bírálja Sara Hainest: „Hagyjuk abba a mentális egészséget!”
Az idei cannes-i filmfesztivál – a bolygó legelismertebb filmfesztiváljának első éve – rengeteg jó és értékes kis nagyszerűséget produkált, és én ezt a jelentéktelenséget a COVID fordított szűk keresztmetszetének tulajdonítom, amely 2020-at felfüggesztette. Évekig tartó produkciók most újraindulnak. Alázatos kritikusod számára egy látszólag csúcskategóriás névsor talán egy remekművet produkált (rád nézve, James Gray apokaliptikus kora), de számos olyan kudarcot is produkált, amelyek túlmutatnak a puszta rosszaságon, és erkölcsi támadáshoz közelítenek (bár a fekete szenvedés drámájának, a Tori és Lokita-nak és a szexmunkások gyilkosságáról szóló thrillernek, a Szent Póknak megmagyarázhatatlan módon vannak támogatói). Hagyományosan ezeket a díjakat rossz filmeknek ítélik oda, például Ruben Östlund széleskörű szatírájának, a The Triangle of Sorrows-nak 2017-ben a The Square-szel. Egy közepes filmfesztivál ijesztőbb vetítései között biztos vagyok benne, hogy jövőre kétségtelenül nehézsúlyú rendezők kasszasikereit fogják hozni.
De hiába panaszkodsz, nem akkor, amikor reggelente merengő tekintettel bámulhatod a Földközi-tenger zafírkék hullámait, és este megpróbálod nem zavarba hozni magad, miközben Julianne Moore-ral koktélpartin csevegsz. Ami magát a filmet illeti, a mellékelt műsorok a szokásosnál is magasabb rendű kiemeléseket kínálnak, például egy lenyűgöző utazást az emberi testbe – hihetetlen vagy sem, David Cronenberg legújabb filmjéről beszélek –, és a Pszichológiai sziluett buja fantasy világában való elmerülését. Az alább bemutatott tucatnyi film közül néhány már megszerezte a moziszerződést az Egyesült Államokban, és 2022-ben kerülnek képernyőre; másokat még nem választottak ki, és a nyaralás utáni ajánlatőrület fő streamerei lehetnek. (Meglepődnél, hogy a Netflix legjobb külföldi szerzeményei közül hányan keltenek először feltűnést a Fesztiválpalotában.) Olvass tovább a 12 legígéretesebb premier elemzéséért Franciaország napsütötte déli részéről, ahol a legjobbak jól kihasználják az időt, miközben órákon át bent ülnek a sötétben.
Miután az „Astra” című regényében apja problémáit a világegyetem peremére tolta, James Gray az apákra és fiúkra fókuszálva egy szilárdabb és közvetlenebb személyes hangvételre helyezi a hangsúlyt, miközben ezt a kitalált memoárt – egyik legmegindítóbb művét – gyermekkorának New York-i filmjeit írja ki tudja, mióta. A zsidó ifjú Paul Graff (Michael Banks Repeta, meglehetősen felfedezett) arról álmodik, hogy egy napon rakéta-graffitijét művészeti nagysággá varázsolja, de a hétköznapi élet kihívásai lefoglalják: a szülők (Anne Hathaway és Jeremy Strong, mindketten a legjobb formájukban), akik azt akarják, hogy az iskolában pihenjen, a szeretett nagyapa (Anthony Hopkins), aki rossz egészségi állapotban van, és átjelentkezik egy magániskolába, ahol Reagan-őrültek szerepelnek. Gray mindezt aprólékos részletességgel adja vissza (ő és csapata a színpadon megépítette egykori házának méretarányos másolatát otthoni videók és régi fotók felhasználásával), ami megrendítőbb, mint a szívszorító monológ, bensőséges jellege miatt. A szex megrendítőbb, mint a szívszorító monológok. Olyan, mintha valaki más emlékeiben kutakodna.
Döntő fontosságú azonban, hogy Gray a felnőttek tiszta szemével látja mini-én döntéseit. A film erkölcsi magja az osztályról szól – arról, hogyan hat ez Paulra olyan finom, általa felfoghatatlan módon, és hogyan hatnak rá a szülei olyan módon, amit inkább figyelmen kívül hagynának vagy racionalizálnának. Paul barátsága egy fekete osztálytársával (Jaylin Webb) kedves és naiv, amíg életük nagyon eltérő körülményei ellentétes irányokba nem taszítják őket, és Gray látszólagos bűntudata arra utal, hogy ez a nézeteltérés talán mégsem annyira passzív. Ami a szülőket illeti, ők folyamatosan mérlegelik elveiket és gyakorlataikat, elhagyják azokat az állami iskolákat, amelyeknél azt állítják, hogy nem állnak magasabb rendűnek, és lenézik azokat, akiket állítólag támogatnak. Gray nem hajlandó eltörölni a tökéletlen múlt nyugtalanító ráncait, és az őszinteség a kulcs a gyönyörű igazsághoz ennek a tisztán megfigyelt emlékútnak minden egyes képkockájában.
A fesztivál legmenőbb filmjeként David Cronenberg visszatérése a testhorror birodalmába tágabb értelemben vett visszatérésnek tűnik – egy nagyszerű ember, aki az Olümposz hegyéről, a művészről született, emlékeztetve arra, hogyan csinálják mindezek a színlelők és pózolók. Viggo Mortensen és Léa Seydoux két performanszművészt alakítanak hátborzongató alakítással: Léa egy sebészeti gép távirányítóját kezeli, kinyitva az ajtót a taláros és szmokingos nézők előtt, eltávolítva a teste által létrehozott szörnyű új szerveket. Felgyorsult evolúció szindróma. Cronenberg első nem metaforikus művészfilmjeként egyszerre csábító és kielégítő, hogy a gyenge teától degenerált mozi status quójáról alkotott saját értelmezését vetíti ki karaktereire és pozícióikra (sok beoltott füle még csak hallani sem tud!). Álló utánzók, akik stílusának hamisítványait árulják.
De még nyolc év szünet után is, Cronenberg továbbra is egyedül jár órákra. Módszerei egyre furcsábbak és távolabb kerülnek azoktól a szimpla műfajoktól, amelyekbe egyes rajongók be akarják illeszteni. Mindenki (különösen Kristen Stewart vicces Timlinje) barokk szállóigényekben vagy elméleti részletekben beszél; a „Fertőzés – mi a baj velük?” azonnal a kedvencek közé került. A film textúrája természetellenes műanyag fényvisszaverő csillogással rendelkezik, ami alkalmas egy nyitójelenetre, amelyben egy gyerek eszik a szemeteskosárban. A holnap világa szó szerint és mentálisan is alultáplált, a görög strandok rozsdás hajókkal vannak tele, amelyek enyhe disztópikus ízzel bírnak, és a szintetikus anyagok a legfőbb élelmiszerforrásaink. Hihetetlen módon Cronenberg a való életbe ásott bele, amikor ezt a forgatókönyvet a Guardianben megjelent, a mikroműanyagokról szóló cikke előtt írta, de jóslatai csak egyre erősebbek lesznek, ahogy a bolygó egyre inkább alkonyodik. Ehelyett örökké továbbléphetne.
A testekről szólva, és arról a félelmetes lehetőségről, hogy kiszámíthatatlan és undorító módon viselkedhetnek: Ez a Harvard Szenzoros Etnográfiai Laboratóriumának dokumentumfilmje (mely a mélytengeri halászfejes Leviatánt mutatja be) példátlan betekintést nyújt abba a csúszós, nyálkás csodaországba, amelyet nap mint nap természetesnek veszünk Párizs számos kórházában. Véréna Paravel és Lucien Castaing-Taylor rendezők új miniatűr kamerák fejlesztését segítik elő, amelyek képesek nagyobb hűségű felvételeket rögzíteni a vékonybélből és a végbél lumenéből, megkülönböztetve a tiszta avantgárd geometria és a színházból kiszökő zsigeri intenzitás közötti különbséget. Igen, soha nem felejthetjük el a húgycső-szondázási jelenetet, ahol egy hosszú fémrúd „Kalasnyikov üzemmódban” csapódik egy személy húgycsövébe, vagy azt a tűt, amely átszúrja a földkerekség legbátrabb szemgolyót tisztító emberének íriszét. De ha hozzám hasonlóan minden új filmbe valami olyasmit mész be, amit még soha nem láttál, akkor nincs jobb garancia erre.
Ráadásul ez nem csak egy egyszerű, nyers trükk. Megtudtuk, hogy maga a kórház funkciói ugyanolyan összetettek és összekapcsolódnak, mint az emberi test, különböző szervekkel, amelyek harmóniában működnek. Prosztata stimuláció közben halljuk, ahogy egy sebész leszidja ápolóit és asszisztenseit az általa nem befolyásolható problémák miatt, utalva az alulfinanszírozott és a személyzettel nem rendelkező problémákra, amelyek miatt az amerikaiak most annyira aggódnak. Paravel és Castaing-Taylor nagy érdeklődést mutattak e nagy intézmények alapvető tevékenységei iránt, a legizgalmasabb felvételek egy fájlátviteli kapszula nézőpontjából származnak, amely pneumatikus csövek hálózatán keresztül halad az épületen keresztül, warp-sebességgel. A záró táncjelenet – amely tökéletesen az „I'll Survive” című dalra van beállítva – olyan, mint egy tisztelgés annak, amit egy átlagember a munkásosztályról gondol, mint a saját szíve akaratlanul dobogása, ami láthatatlan az élet folytatása számára. Lényeges, amíg meg nem állunk, és el nem gondolkodunk azon, milyen csodálatos, hogy tovább tudunk lépni.
EO (ejtsd: í-á, szívből ajánlom, hogy mostanában többször is hangosan mondd ki) egy szamár, és hát, nagyon jó fiú. A 84 éves lengyel guru, Jerzy Skolimowski hét év után először filmje a szamarat követi nyomon, aki nem adja fel, miközben vidéken teszi a dolgát, többnyire túléli és szemtanúja a megpróbáltatásoknak. Ha ez a mély európai művészeti akadémiai kifinomultság paródiájának hangzik – elvégre az 1966-os klasszikus, az Au Hasard Balthazar laza remake-je –, ne ijedj el a hideg minimalizmustól. Tiszta lakoma, ugyanolyan pihentető és meditatív, mint a jeges tó, egy lélegzetelállító felvétellel, amely fejjel lefelé lóg, és a fákat rideg, tükröződő felhőkarcolókká változtatja. Egy kifejező, lenyűgöző kamerajáték élénkíti ezt a 88 perces csodát, amelyet rendszeresen EDM-stílusú stroboszkópok és fergeteges kísérletek tarkítanak.
Senki sem becsüli alá a négylábú sztár alapvető báját, akit hat állatszínész egyesít dísztelen, krisztusi tisztaságukban. EO sárgarépát eszik. EO összetalálkozik néhány futballhuligánnal, akik azt hiszik, hogy a fű, amivel sört és puskákat tölt be, mérgező gáz lesz. EO megölt egy embert! (Itt jön. Egyetlen esküdtszék sem fog elítélni.) Nehéz nem szeretni EO-t, vagy a csavargó kalandjainak szentelni magát, ahol főként távoli megfigyelőként bolyong. Összességében a film különböző epizódjai egy lelki válságban lévő Lengyelország képét festik, a feddhetetlen Isabelle Hupperttől, mint kanos mostohaanya, a váratlanul kirúgott pap megnyilvánulásáig. De ugyanilyen könnyű átadni magunkat az új szamárhősünkből áradó nyugtató energiának és a természeti tájnak, amelyen lassan, de biztosan keresztülvezet minket. Örökké EO.
Miután a „Normal” című filmben végzett munkájáért kritikai elismerést és rajongók ezreit kapta, Paul Mezcal 2016 óta szerepelt Anna Ross Holmer és Sarah Davis című filmekben. A The Fits óta kevéssé ismert első film meggyőző érveket hoz fel saját filmsztár státusza mellett. Könnyed bájjal, Mezcal tékozló fia, Bryan elrejti a kellemetlen dolgokat, miközben visszatér az évekkel ezelőtt elhagyott ír halászfaluba, hogy újrakezdje Ausztráliában. Vissza akart térni a város osztrigaszüretelő játékához, amelyet a helyi tengeri herkentyűgyár ural, ezért rábeszélte ott dolgozó édesanyját (Emily Watson, aki nagyszerű show-t adott a fesztiválon), hogy tervezzen magának néhány Trap-et. A nő bízik benne, hogy a férfi nem tehet semmi rosszat, és örömmel elfogadja a kis tervét, az erkölcsök enyhe enyhítését, amelyet hamarosan magasabb tétek tesznek próbára.
Aztán valami szörnyűség történt, amit jobb titokban tartani, és a két sztárt egy szokatlanul mély alakításban egymás ellen fordította, Watson pedig szikrázott, mivel gyanította, hogy legszívesebben megenné. Davies és Holmer (Shane Crowley és Fodhla Cronin O'Reilly pusztító forgatókönyve irányította Írországról alkotott képüket) hagyták, hogy az ozmotikus nyomás egyre csak nőjön, elviselhetetlen intenzitásig fokozódjon, és a sokkoló tetőponton égjen. Ez nyugtalanító kérdéseket vet fel bennünk azzal kapcsolatban, hogyan viselkednénk mi ugyanebben a helyzetben. Mindeközben élvezhetjük Chayse Irvin gyönyörű operatőri munkáját, aki okos fényforrásokat talál számos éjszakai jelenetben, és durva csillogást a szürke nappali fényben. Mindent megtesz, hogy filmre vegye az összes baljóslatú, félelmetes vizet, amely ezt a moralitási drámát, egy koromsötét űrt körülveszi, amely a végtelenségig nyúlik, mint az emberi lélek mélységei, kompromisszumok és szánalom nélkül.
Bolondság lenne a Netflix részéről, ha nem lopná el Lee Jung-jae rendezői debütálását, akit leginkább a kasszasiker „Squid Game” című filmjéről ismernek. (Tedd be az Algorithmic Synergy tubusodba, és szívd el!) Ambiciózus, kanyargós, hisztérikusan erőszakos, sok olyan gombot nyomogat, amit a Big Red N szeret más, utólagosan készült eredeti sorozataiban, és elég nagyot használ – lenyűgöző méretarányban – ahhoz, hogy felrobbantsa azt a kis képernyőt, amelyen egy napon talán élni fog. A kémkedés eposza Dél-Korea történelmének egy különösen viharos időszakában játszódik, amikor egy katonai diktatúra lecsapott a tüntetőkre, akikkel szemben ismét feszültségek robbantak ki ellenséges északi szomszédjukkal. A káosz közepette macska-egér játék bontakozott ki a dél-koreai CIA-n belül, a külföldi osztály vezetője (Lee Jung-jae, aki egyidejűleg szolgál) és a belügyminisztérium vezetője (Jung Woo-sung, aki már szerepelt ilyen helyzetben) az „Acéleső” és az Irán: A farkasbrigád című webes drámákban) versenyt futnak, hogy kiszimatolják, mi az. a vakondokok, akikről mindketten úgy vélik, hogy az ellenfél csapatában rejtőzködnek.
Miközben a nyomozásuk egy sor rejtett zsákutcába és zsákutcába vezet, egészen egy elnökgyilkossági tervig, két elit ügynök közösen ötletel, hogy felszálljanak egy isteni üzemmódú repülőgépre. Nem tudom eléggé hangsúlyozni a halálesetek puszta számát a két és fél órás filmben, mintha Lee szerződésben köteles lenne legalább 25 embert felrobbantani minden jelenetben. Ezeket a vérontásos szimfóniákat régi vágású szakértelemmel hangszereli, minimálisra csökkenti a CGI-t, és olyan számban maximalizálja a flippercsomagokat, hogy az iparág évekig nyereséges maradjon. A labirintusszerű forgatókönyvek minden figyelmedet lekötik, és a futási idő is nagyon magas, de azok, akiket nem zavar a konvolúció, megízlelhetik a kémfilmek szokatlanul durva mintáit. (És akik eltévednek, azok továbbra is vérben fürödhetnek.)
Ez egy igazán furcsa film, haver: Brett Morgan készülő HBO David Bowie dokumentumfilmje bele sem fér ebbe az egyszerű leírásba, inkább egy gyors kép- és utaláskollázs, mint egy naprendszer, amely egy A történelem legérdekesebb zenésze körül forog. A nyitó percek klipkollázsok sorozatán haladnak keresztül, amelyek nemcsak magát az art-rock idegent mutatják be, hanem minden olyan utalást is, amely megadhatja nekünk a teljes leírhatatlan gestalt hátterét. Az „Ashes to Ashes” videó vagy az „All the Young Dudes” élő előadása mellett olyan némafilm-klasszikusokra is utalhatunk, mint a Nosferatu (egy nyurga kívülálló, akit a hétköznapi négyzetek rettegnek), a Metropolis (egy Bowie a berlini ipari német minimalizmusban, amelyet a kor kedvelt), vagy a Dr. Mabus, a szerencsejátékos (egy másik weimari ereklye egy férfiról, aki képes elvarázsolni a közönségét). Még ha ezek a kapcsolatok törékenynek is tűnnek, értelmessé tehetjük őket, és elvihetjük azokat a meglátásokat, amelyeket ezekből a popkulturális Rorschach-tesztekből nyerünk.
Ahogy a film végiggördül a kétségtelenül extra hosszú két és fél óráján, a kísérletitől a rutinig jut el. Az első óra olyan átfogó témákra összpontosít, mint Bowie biszexualitása vagy öltözködési érzékenysége, a többi pedig időrendi sorrendben követ minket, végigvezetve Los Angeles-i és Nyugat-Németországi utazásain, kapcsolatán az egynevű szupermodell Imannal kötött házasságán, és a 90-es években bekövetkezett fordulópontján, a populizmuson. (A kokainnal való flörtölését azonban tiszteletteljesen kihagyjuk.) Ezek a részek hasznos gyorstalpalót nyújtanak a Bowie-kezdőknek, a már jártasak számára pedig újra átélhetik a jeges kolbászokat, amelyeket jó úton halad. Morgan ötéves rocksztár-megjelenése nem tartalmaz sok jelentős felfedezést, de a szabad asszociációs megközelítése mégis újraélesztheti a rejtélyt, amely úgysem fog kimenni a divatból.
Minden román film arról mesél, milyen szörnyű Romániában élni, egy korrupt kormányzattal, működésképtelen közinfrastruktúrával és gyűlölettől morcos falusiakkal rendelkező országban. A korábbi Arany Pálma-díjas Cristian Mungiu legújabb filmje – aki az ország egyetlen rendezője, aki elnyerte a fesztivál fődíját – a film utolsó részére összpontosít. Erdély egy kis, elszigetelt közösségében egy exkluzív kukta felrobbanásveszélyes helyzetbe kerül, amikor néhány sri lankai migráns érkezik a városba, hogy egy helyi pékségben dolgozzon. A lakosok reakciója olyan rasszista tudatáradatnak tűnt, amelyet az amerikaiak a trumpista ideológia közeli rokonaiként értelmeznének: azért jöttek, hogy elvegyék az állásunkat (egyikük sem vette a fáradságot, hogy elvegye a sajátját), le akartak cserélni minket, rosszindulatú külföldi hatalmak ügynökei. Egy városi gyűlésen készült lenyűgöző, egyszeri felvétel epefolyamot szabadít fel, és a logika álarca lassan leereszkedik, ahogy a polgárok beismerik, hogy egyszerűen nem akarnak senkit másnak látni.
Ha ez egy nyomorúságos, felfelé ívelő küzdelemnek hangzik, akkor is van benne annyi ideológiai tűz és menő, mesteri fényképezés, hogy még a legkimerültebb fesztiválozókat is lenyűgözze. Mungiu havas erdőkön és földutakon kalauzol el minket, mindezt távolságtartó módon fényképezve, ami ugyanolyan könnyen képes felidézni a szépség és a csúnyaság képét. A cselekmény virágosabb, mint azt a politikai ostrom sugallná. A medvék fontos részét képezik a dolgoknak, akárcsak egy pékség tulajdonosának csellójátéka. Egy erős pártpolitikai elveket valló film középpontjában egy erkölcsi dilemma is áll, és a bevándorlók iránti önzetlensége füstfüggönyként szolgálhat arra, amit végső soron olcsó munkaerőnek tekint. Senki sem jött ki különösebben jól ebből a filmből, egy erős és megalkuvást nem ismerő pesszimizmus, amit nem kaphattunk meg Hollywood filmes produkciójából, vagy akár az amerikai indie szcénából sem. Egy ilyen Amerika soha nem fog létezni, bár a nemzeti patológiák annyira hasonlóak, hogy akár egy törött tükörbe is nézhetnénk.
Vegyük például a művészeti világ szatíráját, ahol minden rivalizálás, jelentéktelen neheztelés és teljes kétségbeesés benne foglaltatik, és a lehető legalacsonyabb kockázatú kategóriákba redukálódik. Ráadásul Michelle Williams valószínűleg pályafutása legjobb szerepe. Aztán távolíts el annyi akciót, amennyit a forgatókönyv elbír anélkül, hogy megszakítaná, mintha a közönség számára, amely Kelly Reichardt rendező előző nagyjátékfilmjét, az „Első tehén”-t túl izgalmasnak találta. A nyilvánosságot elvitték. Ilyen hosszú ez a finom portré egy nőről, aki tehetségének határaival néz szembe egy olyan területen, amelyhez látszólag semmi köze sincs. Williams a bajba jutott Lizzy Carr-t alakítja, egy kis szobrászt a mára megszűnt Oregon Institute of Arts and Crafts-ben, aki megpróbál igazodni a közelgő kiállításhoz, de amit lát, mindenhol zavaró tényezők vannak: a főbérlője/barátja (Hong Chau, egyre inkább az előbbi jobb, mint az utóbbi) nem hajlandó megjavítani a vízmelegítőjét, egy sérült galambnak állandó gondozásra és figyelemre van szüksége, a vendégművész nyugodt leereszkedése az őrületbe kergeti.
Reichardt tragikus zsenialitása azonban abban a javaslatban rejlik, hogy Lizzyt talán mégsem vágják meg érte. Szobrai nem rosszak, nem égnek meg az egyik oldalukon, amikor a kemence egyenetlenül melegszik fel. Apja (Judd Hirsch) egy elismert fazekas, anyja (Marian Plunkett) vezeti a tanszéket, mentálisan labilis bátyja (John Magga) pedig Lizzie számára adja meg az inspiráció szikráját, amiért harcolni tud. A Climax Galéria kiállítása – bár még a „Climax” szót is használja egy olyan határozottan visszafogott és laza, a nyugati parti egyetemi város hangulatát idéző film leírására – enyhe bohózatként bontakozik ki, életének apró sértései egymásra halmozva, miközben Lizzy a bátyjának sziszegve azt mondja, hogy hagyja pihenni az ingyen sajtot. Reichardt, a régóta Bard professzor számára saját közelítésének iróniája inkább lélekkel teli, mint maró, jellemző rá az a bizonyos mértékű elismerés, amely lehetővé teszi, hogy az ambiciózus különcök önmaguk lehessenek a saját idejükben.
A legjobb stáblista Lengyelország legjobban őrzött titka, Agnieszka Smoczyńska pszichodrámájához tartozik, amely sikeresen bemutatkozik az angol nyelven. Minden nevet felolvasnak, majd több tinédzser hang kommentálja őket, motyogva: „Ó, imádom ezt a nevet!” Például Michael mosolygós arca felvillan a képernyőn. Ez nem csak egy jó érv. Ez egy bevezetés a Magányos Sziget univerzumába, amelyet June (Leitia Wright) és Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons, egy fekete lánypár alkotott és lakott, akik szó szerint Walesben éltek a 70-es és 80-as években. Kapcsolatukban menedéket találva és szelektív visszahúzódásba esve egy kis, teljesen fehér faluban, szűkszavú visszahúzódásuk a környezetüktől végül a Broadmoor Elmegyógyintézet tragikus káoszába vezeti őket. Ebben a hiteles elbeszélésben Smoczyńska és Andrea Seigel írónő feltárja a lányokban megosztott szokatlan pszichológiai belsőséget, elképzelve, hogy az ilyen szélsőséges élmények belülről kifelé érezhetők.
Ahogy a lányoknál lenniük kell, a realizmus törése olyan káprázatos, amihez a mindennapjaik unalmassága nem fogható. A rendkívül gyűrött stop-motion felvételeken madárfejű alakok barangolnak a krepp-papír és a filc méretei között, és időnként zenei figurák közvetítik a nővérek szorongatott belső állapotát kijelentő nyelven, egy görög kórusban. (Ugyanaz, mint Smoczyńska zseniális gyilkos-sellő-sztriptíztáncos show-ja, a The Lure Lengyelországból.) June és Jennifer elképzelik, hogy belépnek egy színtelített szentélybe, ahol minden hibátlan lehet, amíg a csattanás visszatér a valóságba, és sokkot kapunk. A romantikus valóságban a sportolók menedékes lányokkal próbálnak tornászni, miután szurkoltak nekik. Ahogy közös helyzetük romlik, és a bíróságok elválasztják őket, csak azt látjuk, ahogy az ellenséges erők elpusztítják privát menedékeiket, egy sor formális hátraszaltó, amelyek az Egyesült Királyságban a mentális egészségügyi szolgáltatások hiányával kapcsolatos kommentárok közepette merültek fel.
A Mad Max most a háta mögött van, George Miller pedig visszatért ezzel a valószínűtlen modern mesével egy Alicia Binney nevű férfiról (Tilda Swinton, csúcsformában), és a Dzsinnről (Idris Elba, Resplendent és Giant), akit Alicia éppen az üvegből engedett ki, amit előző nap az Isztambuli Bazárban vásárolt. Tudod, mi a fúró, azért van itt, hogy teljesítse a lány három kívánságát, és hagyja, hogy a lány úgy használja, ahogy akarja, de mivel a lány is tudja, nem hajlandó belesétálni néhány „óvatos” csapdába. Hogy meggyőzze a lányt a jóakaratáról, egy fantasztikus történetet eszelt ki arról, hogyan töltötte az elmúlt három évezredet, egy olyan CGI-extravaganciát, amely bármikor felülmúlja a legtöbb hasonló stúdióprojektet. Több képzelőerőt is lehetne igénybe venni. Sába királynőjének várától Szulejmán császár udvaráig varázslat, intrika és szenvedély járja be az ókori Közel-Keletet.
De ez a csodálatos utazás váratlan végcélt tartogat, amely e két hasonló gondolkodású, szeszélyes ember finom szerelmi történetében csúcsosodik ki. Magányukat azzal törik meg, hogy megosztják egymással a történetmesélés örömét, és Miller beágyazott narratív struktúrája arra készteti őket, hogy túllépjenek a nehézségeken. Ahogy Alithea a film eleje közelében egy tudományos konferencián tartott előadásában kifejtette, mítoszokat találunk ki, hogy értelmet adjunk a körülöttünk lévő rejtélyes világnak, és Miller jelentős teljesítményt nyújtott azzal, hogy ezt a csodálatot ötvözte... A találékonyság érzéke tudást hoz a technológia által elfojtott modern világba. Természetesen a filmesek nem ludditák; a vizuális effektek rajongóit lenyűgözi a digitális díszítések és a teljes méretű alkotások ravasz használata, legyen szó akár egy madár karmaiból az óceánba vezető palack követésének lenyűgöző felvételéről, akár egy gigeres pókká való átalakulásról. A mutáns bérgyilkos azonnali rémálomszerű üzemanyaga ezután szkarabeuszok medencéjévé oldódik.
Riley Keough csatlakozik Gina Gammellhez a rendezői székben, hogy karrierjük következő szakaszát ígéretesen kezdjék meg. (A két férfinak már van egy másik közös projektje is folyamatban.) Legyőzték a hollywoodi hiúság minden jelét, és az Oglala Lakota törzs a dél-dakotai neorealista Pine Ridge rezervátum körüli életből él. Megtehetik. A helyi gyerek, Matho (LaDainian Crazy Thunder) és az idősebb Bill (Jojo Bapteise Whiting) számára ez többnyire droglopást és -eladást, kis mennyiségű metamfetamin kereskedelmet, munkaidő-nyilvántartást a közeli pulykafarmokon és gyárakban, vagy uszkárokat adnak el tenyésztéssel, hogy tovább játsszák a játékot. Ha nincs pénzed semmire, akkor nincs mit tenned, ezt a tényt a legtöbb film megérti, amelyek megelégszenek azzal, hogy fiatalokkal lógjanak, és csak keresnek valamit, amivel kitölthetik a szabadidejüket.
Ha úgy hangzik, mintha a kívülállók, Keough és Gammell túlságosan romantizálnák a szegénységet, vagy a kizsákmányolás másik irányába mozdulnának el, gondold át újra; Bill Reddy és Franklin Sue Bob írók (Sioux Bob vezetésével) és Pine Ridge valós lakosainak egy csoportja után ügyesen fűznek össze nehéz tónusos öltéseket anélkül, hogy a nehéz tónusokra összpontosítanának. Ezeknek a karaktereknek sok szarsággal kell megküzdeniük a körülöttük lévő felnőttektől – Mato időnként bántalmazó apjától, Bill fehér főnökétől –, de mint a fiataloknak a való életben, ha egyszer képesek együtt lógni és tréfálkozni, a szenvedés lecsúszik a hátukról a barátaikkal. Egy távolságtartó csúcspont megerősíti a film legalantasabb szándékait, hogy ünnepelje és felhatalmazza azokat az embereket, akiket egy fehérek által uralt társadalom marginalizál, amely lenézően tekint rájuk, amikor mérlegeli őket. A Keough-Gammell rendezői agyak itt maradnak, és remélhetőleg karizmatikus munkatársaik is, a Chloe Zhao A lovas című filmje óta látott legismertebb laikus színészek.
Közzététel ideje: 2022. június 2.
